El arte: Historia de un concepto.
EL CONCEPTO DE ARTE EN LA ANTIGUEDAD
Han sido muchas las alteraciones de la expresión “Arte” a lo largo de los años. En roma y la Edad Media, incluso en el renacimiento significaba destreza, un destreza de basaba en el conocimiento de una reglas, algo que fuese producto de inspiración o fantasía no se consideraba producto de arte paa los antiguos y escolásticos, se trataba de la antítesis del arte.
Galeno definió el arte como aquel conjunto de preceptos universales. el arte además de producto de destreza se consideraba, el dominio de las reglas, el conocimiento del experto, por lo que no sólo se consideraba arte la pintura y la sastrería, sino también la gramática y la lógica, por lo que su concepto abarcaba además de los oficios manuales, parte de las ciencias.
Dividieron según su práctica requiriese un esfuerzo mental o físico. Al primero lo denominaron liberales y a las segundas vulgares “mecánicas”. Siendo las liberales infinitamente superior a las mecánicas,
En la edad Media, Ars, se denominó a la clase de arte más perfecta, cómo un arte liberal, y estas eran; gramática, retórica, lógica, aritmética, geometría, astronomía y música. Estas arte liberales se enseñaban en las universidades, “facultad de artes”.
Radulf de Campo Lungo, llamado el ardiente (ardens) y Hugo de San Víctor (ambos del siglo XII) crean las mejores clasificaciones de las siete artes mecánicas.
Radulf incluye; ars victuaria, que servia para alimentar a la gente, ars lanificaria para vestirles, architectura, que les daba cobijo, suffragatoria, que les daba medios de transporte, medicinaria, que curaba enfermedades, negatoria, arte de intercambiar mercancías, y militaria o arte de defenderse ante el enemigo.
Hugo incluia las siguientes artes mecánicas; lanifium, armatura, navigatorio, agricultura, venatio, medicina, teatrica. La filosofía se consideraba una profecía, no un arte.
LA TRANSFORMACIÓN EN LOS TIEMPOS MODERNOS Y LAS BELLAS ARTES.
A mediados del siglo XVI, se publicó La poética de Aristóteles, traducida y anotada en Italia. dónde dejó de ponerse en duda la incrusión de la poesía en las artes.
La separación de las Bellas Artes con los oficios facilitó la situación social, debido a la causa que sentían los artistas por mejorar su situación. La belleza en el Renacimiento, comenzó a valorarse más, el comercio y la industria habían decaído ahora convirtiéndose las obras de arte en una forma de inversión.
Más difícil fue separar las bellas Artes de las ciencias, los eruditos eran incomparablemente superiores, por lo que los artistas querían encasillarse en este ámbito, por ello comienzan a calcular sus obras con coordenadas matemáticas sobre la proporción perfecta, así como Piero della Francesca y de Leonardo.
El concepto de escultor a finales del sigo xv Angelo Poliziano, en su enciclopedia de las arte, el Panepistemon, utilizó cinco conceptos diferentes en vez de uno: Statuarii (quienes trabajaban la piedra), Caelatores (el metal), Sculptores (la madera), Pictores (la arcilla), Encausti (la cera). Estos trabajadores se diferenciaban entre sí en vez de agruparse. Cada uno de esto cinco grupos se consideraba que era distinto.
En el siglo XVI comenzó a comprenderse que las obras de los escultores están relacionadas con las destrezas, y las obras del pintor y arquitecto con un sólo concepto denominado bajo un único nombre común. El concepto tomó forma en el sigo XVI sin embargo no se utilizó ni el término de Artes visuales ni el de Bellas Artes. En su lugar se designó el término a las Artes del Diseño, Arti del disegno. El diseño, o el dibujo, es lo que unifica a estas artes, es lo común a todas ellas.
Las artes del diseño no se habían unificado aún con las de la música, poesía y el teatro.
Un escritor intentó aislar las artes “ingeniosas”, otros las “musicales”, las “nobles”, las “memoriales”, las “pictoricas”, las “poéticas” y finalmente las “Bellas Artes”.
Las artes ingeniosas. A mediados del siglo xv, el humanista Florentino Giznozzo Manetti, aisló las artes ingenuae de entre las artes, traduciéndose como las Artes “intelectuales”, o “ingeniosas”. Había inventado un nuevo término, pero no un nuevo concepto.
Las artes Musicales. Marsiglio Ficino, escribió lo siguiente: “Nuestra época, esta época dorada ah echo justica a las artes liberales que han estado durante tanto tiempo descuidadas” oponiéndose a Manetti, conservó el término antiguo (artes liberales), pero incluyó la arquitectura y la pintura que anteriormente, se pensaba que eran artes mecánicas, y la poesía, que ni siquiera se había enumerado entre las artes. Separo las artes de la artesanía como lo conocemos hoy en día, se basó en una carta de Canisiano que ofrecía una respuesta a la pregunta “es la música” escribe, “la que inspira los creadores a los oradores, poetas, escultores arquitectos”. Las artes aisladas por Ficino consiste en las melodías con ritmo, los individuos creativos.
Las artes Nobles. Jovanni Pietro Capriano, en su poética de 1555 creó n conjunto similar a las artes con bases diferentes y nombre diferentes, escribió lo siguiente “el nombre de las artes nobles corresponde solo a aquellas artes que son objeto de nuestros sentidos más nobles, de nuestras facultades más amplias, cuya característica común es la permanencia: estas son la poesía, la pintura y la escultura”.
Las artes Memoriales. Lodovico Castelvetro estudio en su tratado de 1572 distinguió un grupo de artes y las opuso a las artesanías. Las artesanías producen aquellas cosas que el hombre necesita mientras que las artes como la pintura, escultura y poesía sólo sirve para mantener en la memoria cosas y acontecimientos. Las denominó arti commemorative della memoria. Lo diferente de las artes “musicales y nobles”.
Las artes Pictóricas. Algunos escritores de los siglos XVII y XVI distinguen las artes “nobles” o las “memoriales” en su carácter pictórico, lo que unifica las artes como la pintura y la poesía, con ello se repetía el lema Horacio, “ut pictura poesis”. El representante de esta idea puede decirse que es Claude François Menestrier, historiador frances del siglo XVII.
Las artes Poéticas. El lema de Horacio se transformo en los siglos XVI y XVII en la lectura siguiente, “ut poesis pictura”. Esto expresaba que esta inversión, de la cualidad poética, la poesía es lo que separa a las artes tales como la pintura de las artesanías. El pensamiento “poético” se designaba lo figurativo, lo metafórico. No existe ninguna metáfora en las producciones de los oficios manuales, mientras que sí las hay en las obras literarias y teatrales, en los cuadros, esculturas y bailes.
Las bellas artes. En el siglo XVI Francesco Da Hollanda, refiriéndose a las artes visuales utilizó la expresión “bellas artes” el concepto apareció en la segunda mitad del siglo XVII en el tratado sobre la arquitectura de François Blondel, en él incluyó junto con la arquitectura todas, y sólo, aquellas artes cuyos precesores habían calificado como ingeniosos, nobles, etc. Señaló la idea de que su belleza la que las unifica, sin embargo no empleó la expresión “bellas artes”.
Las artes elegantes y agradables. Desde el siglo XV en adelante se sintió vivamente que la pintura, escultura, arquitectura, música, poesía, teatro y danza forman un grupo separado de artes distintas de la artesanía y las ciencias, que durante muchos años se las llamó con el nombre común de “artes” hasta que Llambattista Vico sugirió el nombre de “artes agradables”, en ese mismo año James Harris propuso el de “artes elegantes”. Tres años más tarde Charles Batteux las denominó “bellas” artes. Que con su obra bajo este mismo título estableció un concepto, el aislamiento de las bellas artes se hizo universal. El termino “bellas artes” se incorporó al habla de los heruditos en el siglo XVIII. Batteaux presentó una lista en la que incluía a cinco de las bellas artes, pintura, escultura, música, escultura y danza. Desde el siglo XVIII en adelante no había quedado ninguna duda de que los oficios manuales eran oficios y no artes, y que las ciencias eran ciencias y no artes: de este modo, sólo las bellas artes eran realmente artes.
A mediados del siglo XVIII ademas del concepto de las bellas artes apareció la teoría de las bellas artes, cuya característica común, es aquello que constituye su esencia. La evolución del concepto del arte fue natural e inevitable. El concepto del arte antiguo -medieval (punto de partida de la evolución) fue sencillo y correcto, el concepto actual es el punto final de esa evolución, más restringióy al parecer más definido, está de hecho indefinido.
L a historia del concepto en Europa se divide en dos periodos; el primer periodo, el del concepto, abarca desde el siglo V a. de J.C. al XVII d. de J.C. el artes se constituyó como una producción sujeta a reglas, finalmente alrededor de 1950, el concepto antiguo cedió su lugar al moderno. Arte significaba producir belleza.
NUEVAS DISPUTAS SOBRE EL CAMPO DEL ARTE
En el siglo XIX aparecieron un número de áreas polémicas que podrían introducirse en el mundo del arte, así como la fotografía, la cinematografía, o la arquitectura industrial cuya controversia a suscitado el status del mueble artístico y la diversidad de los objects d´art, los cuales con el paso el tiempo adquirieron nombre artístico pudiendo encontrarse en colecciones de arte y museos. En el sigo XIX el argumento utilizado para no considerarlos arte es que eran objetos utilitarios. Al mismo tiempo William Morris y la hermandad de Trabajadores de las Artes criticaron la distinción entre arte “puro” utilitario.
Los criterios para decidir que era o no una obre de are eran muchos. En teoría el único criterio fue la belleza, en la práctica; el pensamiento, la expresión, el grado de seriedad, la rectitud moral, la individualidad y el propósito no comercial. La idea moderna del arte vacila entre diferentes interpretaciones;
Por un parte, tendemos a una interpretación liberal del arte, en otros casos se limita sólo a las artes visuales, por otro lado, un objeto puede llamarse arte dependiendo de que consideremos el propósito o el logro de un productor. Según un contexto, la palabra “arte” puede significar una destreza determinada y según otro los productos de una actividad realizada con destreza. La palabra arte puede tener un significado general y una serie de significados particulares. EL arte como todo o el arte particular como la pintura, escultura, música, etc.
Es más difícil decidirse por la relación entre la cultura material del arte y entre los medios de comunicación y el arte.
Al crear objetos que, aunque diseñados simplemente para ser utilizados, producen un efecto artístico a veces mejor que el de muchos objetos explícitamente artísticos, se produce la linea de demarcación entre las bellas artes y la producción comercial en masa. Los carteles de Toulouse Lautrec o las caricaturas de Daumier, son obras de arte de la más alta calidad. El rol de los medios de comunicación se ha ampliado en las últimas décadas, adquiriendo algunas características del arte.
DISCUSIONES SOBRE EL DISCURSO DE ARTE.
Nuestra época ha heredado la definición que dice que arte imita a la naturaleza. La cuestión central, es averiguar que distingue el arte de otra actividad humana, para ello se han ido elaboraron algunas cuestiones a lo largo de décadas por diferentes, pensadores y artistas, en relación a artista con la obra, a la obra misma, a la intención del artista, otras a la reacción de las obras sobre el receptor, etc.
analizamos;
1. El rasgo distintivo del arte es el que produce belleza. El arte es la actividad humana consciente que aspira, y logra la belleza, siendo este su propósito principal.
2. El rasgo distintivo del arte es el que representa, o, reproduce, la realidad. En el pasado, esta definición afirmaba que el arte imita a la realidad, siendo respaldada por Sócrates o Leonardo, hasta que Batteaux a mediados del siglo XVIII, aplicó la imitación a la música y al arte del gesto, llegando a la conclusión que la imitación de la naturaleza es común a todas las artes.
3. El rasgo distintivo del arte es la creación de formas. El arte es la configuración o construcción de las cosas. Dota a la materia y al espíritu de forma. La definición más moderna es “el arte es todo aquello que ha surgido a partir de una necesidad, de dar forma a algo”.
Los términos utilizados, “forma”, “figura”, “construcción” y a veces “escultura”, presentan ambigüedad. Cuando Witkiewicz habla de “construcciones” y dice que el crearlas “ha sido y será el propósito del arte”, se refiere a las llamadas producciones ”abstractas”. Por otro lado, los formalistas perseguían descartar lo que generalmente se entiende por arte, querían crear un concepto de arte lo bastante nuevo, cuya descripción es formativa y arbitraria.
No sólo el artista dota la materia de forma, pues los diseñadores industriales, técnicos y trabajadores también lo hacen en la creación de formas, es necesario especificar que tipo de forma es su objetivo específico. Todo lo que existe tiene algún tipo de figura estructura o forma; por lo tanto, estos conceptos no pueden se rasgo del arte. Algunos artistas o teóricos dicen que el arte se ocupa de la pura forma. Forma a veces eliminada intrínseca, es la que se representa independiente de su función figurativa o de cualquier otro tipo, y representa y habla por sí misma. Pero el arte precisa formas que sirven a propósitos que no sean artísticos. Desde luego ni la forma funcional ni la “pura” es forma.
4. El rasgo distintivo del arte es la expresión. Esta se concentra en le intención del artista. Los protagonistas principales de esta definición fueron Benedetto Croce y sus seguidores y artistas como Kandinsky, con la expresión nos enfrentamos al eterno problema de la ambigüedad.
5. El rasgo distintivo del arte es que este produce la experiencia estética. Definición que se concentra en el efecto que la obra produce en el receptor, según esta, el arte es capaz de producir la experiencia de la belleza. El término “experiencia estética”, no es ni más claro ni menos ambiguo que el de la belleza.
La belleza estética puede producirse por otras cosas que por el arte. La finalidad del arte es intenta producir la experiencia estética.
6. El rasgo distintivo del arte es que produce un choque. Trata el efecto que arte produce en el receptor. La función del arte no es expresar algo, sino impresionar. Esta definición afirma que el recorrido debe proceder del éxtasis al choque.
Otra definición simplemente se limita a identificar el arte con la creatividad. El arte es aquella creatividad que no se atiene a ningún tipo de reglas. Peculiar porque equivale a entender el arte que predominó en el mundo antiguo, pero también es demasiado restringida, porque al mismo tiempo concibe el arte como la “creación de ilusiones”. Hubo que esperar hasta los tiempos modernos para que todas las cosas separadas formasen una clase única, intentando definir “arte” como un concepto de gran amplitud.
RENUNCIA DE UNA DEFINICIÓN
Wittgenstein, fue el primero en pensar que los objetos no tienen ningún rango en común, dijo que los objetos denotados poseen un parecido de familia, esta caracterización la denominó abierta. La opinión de que el arte es un concepto abierto se propuso por M. Weitz “es imposible establecer cualquier criterio del arte, imposibles e insuficientes, cualquier teoría del arte es imposible e ilógica y no algo que sea imposible poner en práctica”.
Según Weitz ninguna definición del arte es del todo necesaria porque podemos tratar el tema sin tener una.
Weitz en 1598, afirmó “la estética tradicional se fundamenta sobre un error” el error es que la estética a intentado definir el arte.
DE UNA DEFINICIÓN ALTERNATIVA
El arte tiene muchas funciones diferentes, puede representar y construir cosas que no existan. Expresa las cosas exterior del hombre y de su vida interior, estimula la vida interior del artista y la del receptor. El receptor le aporta satisfacción, emociones, impresiones o producir un choque y no se pueden ignorar. Sin ninguna de estas definiciones puede crearse una reconstrucción de la palabra arte en nuestra lengua. Cada una tiene sólo en cuenta una familia e ignora las demás, por consiguiente todas son incorrectas. Dicho de otro modo, intenta establecer una convención pero esto las hace arbitrarias.
Es cierto que el arte es una actividad humana, o un producto de la naturaleza, además es una actividad consciente. La dificultad surge en separar el arte de otras formas de cultura y descubrir aquellas propiedades que sólo el arte posee.
Según la fórmula tradicional lo que nos interesa es la diferencia específica. Según la intención; algunas obras de arte surgen de la necesidad de perpetuar la realidad, otras de la necesidad de expresión. Según el efecto que causan en el receptor unas obras de arte pueden impresionar, surgir experiencias estéticas o deleite.
La conclusión es la siguiente: Una definición de arte debe tener en cuenta tanto la intención como el efecto y especificar, cómo pueden ser de un tipo u otro. Por eso la definición no sólo es un conjunto de disyunciones, una obra es tal cosa entonces una cosa es una obra de arte.
Batteaux limitó el numero de las bellas artes a siete, sin embargo en el siglo XVIII la música y la poesía se consideraban en separado como las belles lettres, en el siglo XIX la danza y la música también se separan por lo que sólo quedan tres artes visuales; escultura, pintura y dibujo , enseñadas en las Academies des beaux arts.
Dionisos de Halicarnaso insistía en que el arte como despertaba el “ardor en el alma”, Plotino que “recordaba a la existencia verdadera”, Pseudo-Dioniso “el arquetipo del mundo visible”, Miguel Angel “un vuelo hacia el cielo”, Novalis “una visión del Dios en la naturaleza” para Hergel “el conocimientos de las leyes en el espíritu”, todo ellos ven el arte como “fuente de vida” o que con el “la efímera vida adquiere una configuración”. Por ello estas definiciones consideran que cualquier cosa que tenga poca ambición o importancia, tema e intención triviales tiene que situarse fuera de esta línea.
DEFINICIÓN Y TEORIAS
Con esto se cierra la definición del arte, pero el debate del problema de su teoría continúa abierto
¿con qué fin hacemos arte? para esto hay tres respuestas elaboradas;
La primera, indica que la imitación, construcción y expresión son tendencia natural y necesidad para el hombre. La segunda, indica que estas actividades tienen un propósito; lo hacemos porque nos causa placer hacerlo y esto proporciona placer a otras personas, y a esta respuesta yo planteo ¿el sexo es arte? y la tercera, es la admisión de la ignorancia, se trata de una respuesta escéptica. Basándose en las palabras de Quintiliano “los cultos están familiarizados con la teoria del arte, los profanos con el placer que el arte proporciona”. El arte es un favor de Dios, es un balance de la consciencia, es una crítica social, es una planificación del nuevo mundo.
Ante las teorías elaboradas no se ha obtenido una aceptación universal, pero si promesas de elaborar teorías. Como ejemplos, que arte sirve para descubrir, identificar, describir y fijar nuestras experiencias, nuestra realidad interior. Otra sería que el arte es todo aquello que presenta lo que hay de eterno en el mundo. Otra opción; el arte es un modo de aprehender aquello que de otro modo es imposible captar, que excede de la experiencia humana. O la teoría “el arte es la libertad del genio”
SITUACIÓN ACTUAL
definir el arte de nuestra época es difícil, ha habido muchas teorías como las de H. Sedlmayr; el arte de nuestra época siente predilección por las funciones inferiores de la vida. El pintor vanguardista Ben Nicholson identifica pintar como experiencia religiosa, Chirico; describe sus cuadros como pittura metafisica.
Capitulo II
EL ARTE: HISTORIA DE UNA CLASIFICACIÓN
LA DIVISIÓN DE TODAS LAS ARTES (La antigüedad)
La clasificación del arte ha ido cambiando a lo largo de la historia debido a que el concepto de la palabra arte también ha variado. Antiguamente el arte concernía a los producto al arte de producirlos y a la habilidad y no comprendía sólo la habilidad artística, si no cualquier tipo de habilidad capaz de producir. El arte consistía en un sistema de métodos regulares para fabricar, era racional por definición e implicaba un conocimiento. Quintiliano lo definió como aquello que estaba basado en un método y en una orden, Galeno “el arte es un sistema de reglas generales”, Platón subrayó “el trabajo irracional no es arte”.
Las Bellas Artes se clasificaban junto a las artesanías, los griegos pensaban que tanto las ciencias como las artesanías pertenecían al reino del arte. Cicerón dividió las artes en aquellas que se dedicaban sólo a comprender las cosas, y aquellas que las fabricas; hoy día consideramos ciencias y no artes a las de la primera categoría.
Lo griegos pensaban que existía un parentesco entre profecía y poesía, más bien que entre poesía y arte. Incluyeron la música y la poesía en los campos de la inspiración, ambas se las consideraba producciones acústicas y creían ambas un carácter maníaco fuente de inspiración.
Las artesanías y las ciencias no fueron excluidas en la época griega clásica del reino de las artes, tampoco en el Helenismo, la Edad Media o el Renacimiento.
Los sofistas distinguieron dos categorías de artes: Las que cultivaban sólo por la utilidad que tenían y las que cultivaban por el placer que producían, es decir las necesarias para la vida y las que son fuente de entretenimiento.
Platón se basó para la clasificación en el hecho de que las artes mantienen relaciones diferentes, algunas producen cosas como la arquitectura y otras la imitan como la pintura (productivas e imitativas).
En la época antigua, fue la que dividió las artes entre “liberales” y “vulgares” ya que algunas artes incluyen un esfuerzo físico y otras no.
Quintiliano dividió las artes en tres grupos, el primero aquellas artes que consístenoslo en el estudio, el segundo comprendía sólo aquellas artes que consisten en una actividad sin producir nada “artes prácticas”, y el tercero comprendía aquellas artes que producen objetos, las denominó “poéticas”, quiere decir productivas.
Cicerón realizó varias clasificaciones de las artes, basando su división de las diversas artes, las división en mayores, medianas y menores, incluyendo las artes políticas y militares en las artes mayores, las intelectuales en la segunda y la tercera la pintura, música, escultura de explotación y atletismo.
A finales de la antigüedad Plutonio clasificó el arte en 5 grupos:
1.-Las artes que producen objetos físicos
2.-Las artes que ayudan a la naturaleza, como la agricultura.
3.- Las artes que imitan a la naturaleza, como la pintura.
4.- Las artes que mejoran o decoran la acción humana, como la política.
5.-Las artes puramente intelectuales, como la geometría.
La antigüedad griega y romana conoció seis clasificaciones de las artes
1.-Los sofistas se basaron en los objetos de las artes.
2.-Platón y Aristóteles en la relación que mantenían las artes con la realidad.
3.- Galeno en el esfuerzo físico que exigían las artes.
4.-Quintiliano en los productos de las artes.
5.-Cicerone en los valores de las artes.
6.-Plutonio en el grado de espiritualidad.
En la Edad Media se pensaba que el arte era un hábitus de la edad media. Tomás de Aquino “la habilidad de producir basándose en la habilidad de principios verdaderos”. Hugo de San Víctor afirmaba”puede decirse que el arte es un conocimiento que consiste en reglas y reglamentos”.
A finales del siglo XVII surgió una nueva e influyente clasificación de la disciplina en la hora Francis Bacon. En el reino de la imaginación Bacon incluía sólo la poesía.
DIVISIÓN DE LAS ARTES EN BELLAS Y MECÁNICAS (La ilustración)
Hubo que esperar al siglo XVIII, para que Batteaux hiciese una clasificación de las artes y las aislara explícitamente del resto. Dividió en el gran ámbito de las artes en Bellas artes, cuya razón de ser era deleitar, y en artes mecánicas cuya razón de ser era su utilidad. A estos grupos sumó un tercero, cuyas artes se caracterizaban por el placer que producían por su utilidad, en este grupo se incluyó sólo dos artes la arquitectura y la música.
Diderot, mantuvo la antigua división de las artes libres y mecánicas; sin embargo, d´Alembert utilizó ya el término “beaux arts” o bellas artes que fue traducido del francés a otras lenguas.
La opinión contemporánea aceptó la idea de Batteaux, pero no aceptó el tercer grupo en su lugar incluyó la arquitectura y la retórica en las bellas artes, dividiéndolas simplemente en artes bellas y mecánicas.
Las bellas artes, les beaux arts, ocupaban ahora un lugar privilegiado entre las artes que antes habían disfrutado las artes liberales, las cuales se oponían ahora a las artes mecánicas. Sulzer, incluiría ahora las vulgares, como habían sido denominadas en alguna ocasión las artes liberales. Cuando alguien empleaba el término “arte”, se refería a una bella arte. Comenzaron a clasificarse las artes del mismo modo que antes se habían clasificado las destrezas.
La ilustración emprendió una completa clasificación de la productividad humana. Se volvió a la división aristotélica de las actividades humanas en teóricas, prácticas y de realización. Estas actividades se dividían en: conocimiento, moralidad y bellas artes.
Kant separó las bellas artes de las artes, dividió las artes mecánicas y estéticas, dividiendo estas últimas en placenteras y bellas, volviendo a subdividir de otro modo estas últimas, lo hizo al modo platónico en artes de la verdad y artes de la apariencia, incluyendo la arquitectura en las primeras y la pintura en las segundas. Las dividió también según estas artes trazan con objetos de la naturaleza, o con objetos creados por el arte. La más original de sus divisiones fue la que difenrenció tanto los tipos de artes como modos de expresión y transmisión de ideas y sentimientos que hay en el hombre. Según el, existían tres modos: palabras, sonidos y gestos. Y correspondientemente tres tipos de bellas artes; la poesía y la retórica que utilizaban las palabras; la música, sonidos, y la pintura, escultura y arquitectura.
LA DIVISIÓN DE LAS BELLAS ARTES
A principios de siglo, estas clasificaciones se caracterizaban por tener un método especial, su método fue comparar esas artes, su intención e imponer un orden. Los sistemas de filosofía idealista del siglo XIX dividieron las artes de un modo diferente. Su punto de partida fue un concepto del arte, su método, su intención. Su modo de proceder era a priori igual que antes había sido, empírico.
Nuestra época quiere establecer una única clasificación definitiva o renunciar a una clasificación. La clasificación que mejor se conoce es la del Francés E. Souriau, quién clasifica las artes según opere por separado, con la línea, masa, color, luz, movimiento, sonido articulado y sonido inarticulado: El número siete, favorecido durante la edad media vuelve de nuevo. Souriau propone dos posibilidades: Una arte abstracto y otro que imita la realidad.
Nuestra época ha tendido más a adoptar la idea minimalista, directamente opuesta, según la cual se cuestiona el valor científico, la utilidad y la práctica de la clasificación de las artes. Las principales dificultades son dos: Por un lado es imposible realizar una clasificación satisfactoria de las artes porque su ámbito no es fijo, no existe acuerdo sobre lo que sea y no sea arte o de que actividades humanas se incluyen en las artes. Por otro lado establecer qué es un arte en particular. En el arte actual es difícil lograr una clasificación debido a la hetereogeneidad intencional del tema en cuestión.
En el Siglo XIX Von Hartmann distinguió dos tipos de artes: las artes de la percepción y las artes de la imaginación, T. Munro pensaba en la misma división cuando clasificaba las artes, según su modo de división en aquellas que muestran objetos y las que simplemente lo sugieren.
CAPÍTULO 4.
LA BELLEZA: HISTORIA DEL CONCEPTO
La evolución del concepto:
Lo que en castellano moderno se denomina como moderno los romanos se lo denominaron pulchrum, utilizándose durante toda la época antigua y medieval que desapareció en el renacimiento sustituyéndose por bellum, abreviatura de bonellum. Que en un principio se aplicaba a mujeres y niños.
La lenguas antiguas y modernas tienen al menos dos palabras cuyo origen es el mismo y cuya función es el nombre más el adjetivo, es decir, para significar la cualidad abstracta de la belleza y para referirse a una cosa bella en particular. El concepto griego belleza era más amplio que el nuestro y comprendía no solo las cosas bellas, figuras, colores y sonidos, si no también los pensamientos y costumbres, definiendo la belleza como ”lo que resulta agradable a la vista o al oído”. El concepto belleza incluye la belleza moral ética y estética, belleza en el sentido puramente estético comprende aquello que produce una experiencia estética, productos mentales al igual que colores y sonidos. Belleza en el sentido estético, se limita a las cosas que se perciben por medio de la vista.
LA GRAN TEORÍA
La teoría general de la belleza que se formuló en tiempos antiguos consiste en las proporciones de las partes y sus interrelaciones. Esta teoría persistió durante siglos adoptando dos versiones. La más limitada afirmaba que la belleza ha de encontrarse solo en aquellos objetos cuyas partes mantengan una relación entre sí, como los números pequeños. La gran teoría de la estética europea, se inició con los pitagóricos, se basaba en la observación de la armonía de los sonidos. Las palabras armonía y simetría estaban estrechamente relacionadas con la aplicación de la teoría del oído y la vista.
Platón aceptó este concepto y afirmó que “la conservación de la medida y la conservación es siempre algo bello” y que “la fealdad es una carencia de medidas”.
La estética del renacimiento sostenía que la belleza era la armonia occultamente risultante della compositione di pio membre. Pero a partir del siglo XVI los tratados de arte y a partir del siglo XVI la poética, estudiaron los problemas generales de estética.
La teoría general de la belleza durante el renacimiento continuó siendo lo que había sido durante la edad media, basándose en el mismo concepto clásico. La gran teoría fue finalmente sustituida en el siglo XVIII por la presión de la filosofía empírica como las tendencias románticas. El declive tuvo lugar cuando se empezó a enfocar la belleza de un modo diferente incluso hoy en día somos testigos de una crisis que afecta no solo a la teoría de la belleza, si no al concepto en sí.
TESIS COMPLEMENTARIAS
La gran teoría se anunciaba junto a su base metafísica, a su objetividad y a su alto valor. La primera de las tesis, la verdadera belleza se persigue a través de nuestras mentes, y no por medio de nuestros sentidos. La tesis de que la belleza tiene un carácter numérico se vinculaba repetidamente por la gran teoría o estaba implícita en sus formaciones. La tesis metafísica, a partir de sus orígenes pitagóricos, la gran teoría observó en los números y en las proporciones una profunda ley de la naturaleza, un principio de la existencia.
La concepción metafísica de la belleza perfecta era a menudo teológica, especialmente en la tradición cristiana. “Dios es la causa de todo aquello que es bello” afirmaba clemente de alejandría, Atanasio, escribía “la creación, como l as palabras de un libro muestra al creador”. No existe ninguna belleza en el mundo a parte de dios, afirmaban los victorianos del siglo XII. La metafísica teológica no desapareció de la teoría de la belleza durante el renacimiento.
La tesis objetivista. Los fundadores de la gran teoría, los pitagóricos, Platón y Aristóteles afirmaron todos que la belleza era un rasgo de las cosas bellas. Las proporciones de las partes determinaban si algo era bello o no, no podía ser bello en un aspecto y en otro no serlo. Escribía Platón, “no es bello por ninguna otra causa, si no por sí mismo”. “Una cosa es bella” decía Aristóteles “por ser en sí misma deseable”.
La idea de que la belleza es un gran beneficio se hallaba vinculada a la Gran Teoría, Platón escribió ”si la vida merece la pena vivirse, lo es, en tanto en cuanto, el hombre pueda percibir la belleza”: y situó la belleza junto a la verdad y la bondad.
RESERVAS
La universalidad y duración de la gran teoría no pudo evitar que se dudara de ella, surgiendo desviaciones.
En primer lugar hacían referencia a la objetividad de la belleza surgiendo de nuevo ideas subjetivistas.
Según Jenofonte, Sócrates afirmaba que puede que la belleza exista en la correspondencia que existe entre el objeto, su propósito y la naturaleza. Puede ser bello si su diseño es adecuado para realizar su objeto (relativismo).
Durante la época clásica se originaron dos teorías de la belleza, es decir, la de la proporción y la e lo adecuado: la belleza puede ser ideal o sensual; espiritual o corpórea; simétrica objetiva o, en cierto modo, euritmia subjetiva, estas variantes de la belleza provocaron finalmente el derrumbamiento de la Gran Teoría.
El siglo XVI, produjo también un grupo de escritores y artistas que cantaron las alabanzas de la gracia. La gracia, parecía no tratarse de proporción y números.
OTRAS TEORIAS
Surgieron también otras teorías junto a la Gran Teoría, pero durante dos mil años ninguna de ellas consiguió reemplazarla, sólo completarla. Algunas de ellas;
La belleza consiste en la unidad de la diversidad. Juan Escoto Erígena, afirmaba que la belleza del mundo consiste en un armonía hecha ex diversis generibus variisque formis que se reúnen en una unidad “unidad inefable”.
La belleza consiste en la perfección. Noción favorita en la Edad Media, que tenían relación no sólo con la belleza sino también con la verdad y el bien.
La belleza consiste en la educación de las cosas con su objetivo. Todo aquello que es adecuado y atractivo, es bello.
La belleza es una manifestación de las ideas del arquetipo del modelo eterno, de la perfección más elevada, del absoluto.
La belleza es una expresión del psique, de la forma interna, tal y como la denominaba Plotino; sólo el espíritu es verdaderamente bello; y las cosas materiales son bellas si están influidas por el espíritu
La belleza se halla en la moderación, du Fresnoy afirmaba; “se encuentra en medio de dos extremos”.
La belleza consiste en la metáfora. Esta noción fue obra del manierismo literario del siglo XVII, especialmente de Enmanuel Tesauro.
LA CRISIS DE LA GRAN TEORÍA.
En el siglo la Gran Teoría, sufrió una crisis. El arte y la literatura del Barroco tardío y más tarde el romántico, habían hecho su aparición y habían ganado partidos.
Las causas de la crisis deben causarse tanto en la filosofía como en el arte, en el empirismo de los filósofos y en el romanticismo de los artistas de la época.
La innovación que los escritores ingleses encabezados por Adisson estaban llevando a cabo, se resume en tres puntos esenciales. Primero, las críticas hacia los filósofos se estaban aceptando por periodistas con Adisson. Segundo, los filósofos estaban superando ahora la aversión que sentían contra el estudio de fenómenos subjetivos. Y tercero, las investigaciones psicológicas acerca de la reacción del hombre hacia la belleza se estaban realizando ahora de un modo más o menos continuo.
Las actitudes hacia la belleza se invirtieron; La Gran Teoría parecía estar ahora peleada con el arte y la experiencia. Estos críticos del siglo XVIII, se dividen en dos grupos; los que defendían la belleza y el grupo de los críticos.
A partir más o menos de mediados de siglo, la actitud se hizo cada vez más radical, toda belleza, se proclama, subjetiva, relativa, y una cuestión de convención. Todo objeto puede ser bello o feo según las cuestiones de cada cual. Por tanto, no puede existir una teoría general de la belleza; cómo mucho puede concebirse una teoría general de la experimentación la belleza.
OTRAS TEORÍAS DEL SIGLO XVIII
El proceso de fragmentación conceptual había sido iniciado por los antiguos; Sócrates había diferenciado la belleza en sí misma de la belleza que tiene uno objetivo; Platón, la belleza de las cosas reales de la de las líneas abstractas; los estóicos, la belleza física y espiritual; Cicerón, la dignitas y la venustas.
Goethe compiló en cierta ocasión una lista de variedad de la belleza y sus virtudes alisadas.
Entre las disposiciones de la belleza, durante el siglo XVIII, dos fueron importantes: La primera, la distinción de Hutcheson entre belleza esencial y relativa. La segunda, también de origen británico, pero recibió de Kant su formulación clásica; belleza libre y belleza adherente, que presupone un concepto de lo que debería ser objeto, la libre no.
La noción de belleza como perfección tuvo partidarios en Alemania. Christian Wolff la definió en estos términos; la belleza es la perfección de la cognición visual.
La expresión “teórica de la belleza”, adquirió más fuerza con el enfoque romanticista. La concepción idealista de la belleza tuvo otro importante portavoz. Winckelmann describía el concepto de belleza: “por decirlo así un espíritu destilado de materia”.
DESPUÉS DE LA CRISIS.
La nueva teoría del siglo XIX, ejercía ahora mayor atracción gracias a Helgel especial mente que escribió: “La belleza es la idea absoluta en su apariencia sensorial”.
La gran teoría volvió a resurgir y esta a perder interés por lo que se perdió el interés por el concepto de la belleza y aumentó el interés por la estética, concentrándose su atención en experiencia estética, basándose las teorías en la empatía, en el funcionamiento de la mente, en las emociones fingidas y en la expresión.
SEGUNDA CRISIS.
En el siglo XIX se continúo buscando una teoría general de la belleza, se dejó que el sigo XX formulara las conclusiones que sugería la crítica que se llevó a cabo durante el siglo XVIII, siendo artistas y críticos quienes la hicieron. La belleza se construye ahora, de un modo tan imperfecto que constituye una base inadecuada para cualquier teoría.
El siglo XX, aunque ha criticado el concepto de belleza, ha intentado mejorarlo, reducir su mutuabilidad, hacerlo más operable.
La palabra y el concepto de “belleza” se ha conservado en el habla coloquial empleando se más en la práctica. Uno de los conceptos centrales de la historia de la cultura europea y la filosofía han sido reducidos, por lo tanto, a una mera expresión coloquial. El concepto de la belleza no se ha mantenido más tiempo que la Gran Teoría en la historia de la estética europea.
EN CONCLUSIÓN
Se produjo la transición de un amplio concepto de la belleza a un concepto puramente estético. Comprendía también la belleza moral, sin embargo , los sofistas, aristotélicos y estoicos, la belleza se convirtió su mayor parte en una belleza exclusivamente estética. La transición del concepto general de belleza al concepto de belleza clásica, incluía tanto la belleza de arte clásico como de cualquier tipo. La Gran Teoría de la belleza había sido elaborada tomando como ejemplo el arte clásico, pero en el siglo XVIII, las decoraciones Rococó correspondían más bien al adjetivo “elegante”, los adjetivos prerrománticos al “pintoresco” la literatura prerromántica al adjetivo “sublime”. El adjetivo bello quedó sólo para las obras clásicas.
De la belleza del mundo a la belleza del arte, según los griegos la belleza era un atributo del mundo natural, totalmente sorprendidos por su belleza. El mundo es bello, y el trabajo manual del hombre, debe y puede ser bello.
De la belleza aprehendida por la razón a la aprehendida por el instinto. Durante siglos se pensó que las obras de arte son bellas sólo porque se corresponden con las reglas, y que únicamente la razón puede aprehender su belleza.
De una aprehensión a una aprehensión subjetiva de la belleza. La aprehensión objetiva tuvo largo reinado, el subjetivismo estético se dejaría oír. A partir de ahora puede decirse que la mayoría de los estetas, intentan descubrir sus objetivos universales.
De la grandeza de la caída de la belleza, duró hasta el siglo XVIII, en esta época la fe de la idea se tambaleó, las causas fueron varias: primero la belleza perdió algo de su grandeza al interpretarse de un modo subjetivo; después perdió parte de su terreno cuando la sutileza, lo pintoresco y la subliminal se separaron de la belleza; y finalmente belleza se había asociado durante siglos con las formas del clasicismo, mientras que en siglo XVIII estas formas perdieron su atractivo romántico.
